Tres propuestas de pintura contemporánea en la galería Perrotin Paris
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La galería Perrotin Paris presenta hasta el 21 de septiembre tres exposiciones de arte contemporáneo de tres artistas nacidos a principios de los ochenta cuya obra pictórica se distingue por el uso del trazo, el empleo de pigmentos monocromáticos brillantes o la mezcla de pintura al óleo y serigrafía.
El significado del verde en el «Lake Margrethe» de Koak
«Lake Margrethe» es la segunda muestra individual de Koak (Míchigan, 1981) en la galería Perrotin Paris. La energía que emana de sus formas redondeadas y colores vitamínicos se percibe de inmediato. Formada en el medio literario visual del cómic, la artista residente en San Francisco ha importado al campo de la pintura el poder comunicativo de la línea y el trazo. En varios de los cuadros de esta exposición, Koak evoca sus propios recuerdos y lazos familiares, y los representa con distintos grados de detalle y abstracción, como vemos en los tres «retratos de ventana» azul, rojo y verde que encarnan a mujeres de su entorno. Su expresivo uso del color impregna toda su obra.
Detrás de estos enigmáticos personajes y escenas se esconde un tema que vincula de forma compleja dos historias aparentemente inconexas. La primera es la del lago que da título a la exhibición y que remite a los veranos de infancia felices pasados allí con su familia. Antaño un paraíso, ese paraje del norte de Míchigan está ahora asolado por vertidos contaminantes procedentes de una base militar cercana. «Tengo recuerdos de mi infancia en Míchigan, donde el verde es el verde brillante de los árboles que rodeaban la cabaña de madera de mi abuelo y el verde de las aguas del lago Margarethe, en las que nos bañábamos todos los veranos, sin saber que estaban envenenadas», explica la artista en la nota de prensa de la galería.
La segunda historia gira en torno al pigmento verde esmeralda, uno de los colores estrella del siglo XIX, muy utilizado por los pintores del momento. Sin embargo, al igual que el lago, resultó ser muy tóxico, ya que se fabricaba a partir de un derivado del arsénico. Se cree que este pigmento fue responsable de la grave diabetes que sufría Cézanne, de los problemas neurológicos de Van Gogh y de la disminución de la visión de Monet. De ahí el dualismo de la expo: recuerdos gloriosos empañados por la conciencia de la destrucción. «Me interesaba especialmente la capacidad de este color para captar al mismo tiempo el brillo de la vida y la enfermedad».
La isla que no es una isla de Nick Goss
Las pinturas de Nick Goss (1981, Reino Unido), de tonos neutros y colores desvaídos aderezadas con tímidas inserciones de serigrafía, crean lugares o recuerdos borrosos en los que el espacio y el tiempo son fugaces e insignificantes. Concebidas a veces a partir de fotografías tomadas por el artista, sus imágenes inconexas muestran su fascinación por lo extraño, y obligan al espectador a aventurarse en la interpretación.
«Isle of Thanet» es la primera exposición individual de Goss en París y reúne once pinturas. La isla de Thanet es hoy una península que forma la parte más oriental del condado de Kent, Inglaterra. En su momento, estuvo separada del continente por el canal de Wantsum. Si bien ya no es una isla, los habitantes de dicha región británica siguen llamándola así. Es de ese destino turístico actual y de diversas referencias heterogéneas de donde surgen estas piezas.
Una proa de una lancha motora, una hoguera humeante, un encuadre que sitúa al espectador a bordo de una embarcación, el karaoke ficticio Three Parrots, personajes apiñados ante una aeronave… Estas pinturas narran historias de islas, de barcos y de aviones y de la gente que viaja en ellos. ¿Turistas o refugiados? ¿Cruceros de lujo o cayucos? A la poesía y fantasía de estas obras se suma la interpretación ambigua que el artista ya desliza incluso en el título de la muestra.
Goss produce estas pinturas entre figurativas y abstractas a partir de pigmentos naturales y un emplasto que sigue siendo hidrosoluble tras el secado, mediante el procedimiento clásico del temple. Combinando esta técnica con las de la pintura al óleo y la serigrafía, el artista multiplica las técnicas para plasmar un sinfín de referencias familiares, históricas, de otros cuadros y artistas, de libros… en una sola de sus piezas. La multiplicación de fuentes y orígenes, y la versatilidad de los campos de inspiración determinan estas creaciones.
Las escenas honíricas e íntimas de Katherina Olschbaur
Entendida como «purgar el cuerpo aportándole más materia de la que pierde», la expresión «Sweet Expulsion» es también el título de la primera gran muestra europea de Katherina Olschbaur (1983, Lago Constanza, Austria) en Francia y su segunda en esta galería. Inspirándose en mitologías íntimas, técnicas del primer expresionismo abstracto y elementos autobiográficos, estos cuadros exhiben escenas en las que los sueños y los recuerdos se entrelazan en la figuración. En ellos predomina el colorido monocromático o el degradado a partir de una determinada tonalidad.
El lenguaje visual de la artista se sustenta en el tratamiento del color –externamente, pleno de una energía impulsiva y agresiva–, la forma y el tema. A menudo recurre a cuerpos y lugares desestructurados, tonos degradados y trazos gestuales de pigmentos de colores brillantes. En estas piezas apreciamos escenas protagonizadas por personas, lugares y animales de tonalidades vívidas; suspendidos o inmóviles. Olschbaur congela momentos de amor, deseo y placer en los que no faltan siluetas de mujeres semidesnudas, pájaros, una geisha o ángeles policéfalos.
Llama la atención que tres artistas relativamente jóvenes utilicen la pintura figurativa como medio de expresión creativa en la escena artística contemporánea del primer cuarto del siglo XXI dominada por al videoarte, la instalación y la performance de exacerbado contenido político. En cualquier caso, se trata de tres expos independientes que conviven en una misma galería y que, sin quererlo, conforman un curioso cadáver exquisito pictórico.
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